Séptimo Coloquio de la Escuela de Posgrados de Artes y Humanidades

La enseñanza del inglés como lengua extranjera debe ir más allá de los enfoques tradicionales centrados en la gramática y el vocabulario. Se propone un enfoque interdisciplinario que integre las artes, las humanidades y las ciencias sociales, proporcionando una enseñanza más completa y relevante. Este enfoque no solo facilita el desarrollo de la competencia lingüística, sino que también fomenta la interculturalidad, la paz y una ciudadanía global activa.

El arte, en sus diversas formas como la música, las artes visuales y el teatro, ofrece recursos efectivos para enseñar el idioma y explorar contextos culturales y sociales. A través de actividades como el análisis de canciones, pinturas y dramatizaciones, los estudiantes no solo adquieren nuevas estructuras lingüísticas, sino que también desarrollan habilidades críticas, empáticas y reflexivas.

La literatura, como componente esencial de las humanidades, permite a los estudiantes profundizar en la cultura anglosajona, abordando temas universales como la justicia, la identidad y la libertad. Además, las ciencias sociales aportan una dimensión contextual, permitiendo que los estudiantes comprendan problemas globales y locales, como la migración y los derechos humanos, mientras mejoran su competencia lingüística.

Este enfoque interdisciplinario prepara a los estudiantes para enfrentar los desafíos sociales y culturales del siglo XXI, promoviendo una educación integral que va más allá del aprendizaje lingüístico, cultivando una conciencia crítica, creativa y comprometida con la paz y la ciudadanía global.

Resultados de tesis de maestría de educación, sobre el arte del diseño de formas, que es una asignatura de la escuela Waldorf-Steiner, donde la línea no tiene un valor mimetico o figurativo, es entendida como la huella del movimiento, que toma como acervo visual la iconografía de pueblos originarios de diversas latitudes para hacer uso de la línea. Esta asignatura tiene la intención de vivenciar el movimiento por medio de una didactica que atraviese el cuerpo para luego plasmar sobre un soporte la forma. Las fuentes primarias fueron entrevistas a maestras formadoras de Brasil y tomar toda la bibliografía de diseño de formas Waldorf-Steiner en 100 años.

Celebrar lo Infraordinario (2023) es un proyecto de investigación-creación que se mueve entre el performance y la pedagogía. Explora la intersección entre lo cotidiano y lo ritual como territorio fértil para pensar las pedagogías del cuerpo como herramienta de transformación social.
En este coloquio presentaré el libro homónimo a través de una lectura performática y un ejercicio de silencio. Este formato busca disolver la distancia entre el texto, mi cuerpo y el de la audiencia, activando fragmentos del libro y proponiendo una de las acciones que en él se plantean. La intención es señalar elementos que considero fundamentales a la hora de liderar procesos pedagógicos corporales sensibles y conscientes.
La propuesta no busca únicamente comunicar los resultados de una investigación, sino también compartir su modo de encarnarse, su potencia al ser vivida colectivamente. La lectura performática se plantea como una invitación a percibir lo infraordinario y lo ceremonial, a través de una experiencia que activa el pensamiento desde lo sensible.

Esta ponencia analiza la manera en que la enseñanza musical instrumental, está atravesada por narrativas que, desde la lógica biomecánica, buscan el disciplinamiento del cuerpo, configurando dispositivos, discursos y prácticas pedagógico musicales que desde el modelo “conservatorio” determinan la relación cuerpo, instrumento en el quehacer musical. Partimos desde el ya discutido giro corporal en ciencias sociales, para profundizar en la manera en que este enfoque educativo, pretende la configuración de cuerpos dóciles, desconociendo aspectos fundamentales, como la realidad contextual del estudiante, o su dimensión emocional y sensible, como experiencia fundamental en la construcción de los y las instrumentistas. De esta manera, esbozamos reflexiones que contribuyen a la revisión desde una postura crítica, de las metodologías educativas en los espacios de formación musical, naturalizadas y normalizadas, sin apenas discusión hasta años recientes , en los que hemos visto un interés creciente por este tema en escenarios académicos.

En consonancia con mi interés por comprender el alcance de las obras de arte contemporáneo y la construcción de paz, me propongo a compartir los hallazgos de la investigación que desarrollé para optar por el título de Maestría en Estudios Culturales, sobre Fragmentos, espacio de arte y memoria. Este espacio se ubica en el barrio Santa Bárbara Sur en la ciudad de Bogotá.  Mi pregunta de investigación corresponde a la siguiente: ¿Cuáles son los límites y alcances de Fragmentos como espacio de arte y memoria? Para ello dividí la investigación en dos capítulos, Un sujeto neutro para el posconflicto y ¿cómo nos sentimos nosotras reparadas con esto?

El primer capítulo desarrolla las siguientes preguntas: ¿Cómo se construye el sujeto mediador a través de las prácticas discursivas? ¿De qué manera la mediación construye un ciudadano para una sociedad imaginada del posconflicto?  Mi hipótesis es que este sujeto mediador es resultado de una serie de relaciones de poder en donde este es construido y a su vez construye. Por ello me propongo analizar de qué manera el sujeto mediador y el vídeo que se proyecta en Fragmentos inscriben unas prácticas discursivas específicas.  Para responder a esta pregunta de investigación, desarrollé una auto etnografía de mi experiencia como mediadora en Fragmentos durante el 2019, lo cual implica un componente de reflexividad revelando la relación entre el investigador y la investigación, explicar las condiciones de la construcción del conocimiento y el proceso por el cual se llevó a cabo. En el proceso de investigación se seleccionaron experiencias pasadas que se reconfiguran a través de una mirada retrospectiva (Ellis, Carolyn, 2015) acompañada de entrevistas, imágenes, memorias consolidadas en informes y documentos que contribuyen a recuperar recuerdos.

A través de la auto etnografía como método de investigación considerado a su vez proceso y producto, abordo esta particular experiencia de la mediación museal y como estas hablan del contexto. Este enfoque de investigación y escritura busca describir y analizar sistemáticamente la experiencia personal con el fin de comprender la experiencia cultural (Ellis, Carolyn, 2015). Dicho de otro modo, la experiencia personal debe resultar significativa y comprometida con la experiencia cultural al mismo tiempo que busca significar las experiencias personales. Ser científico significa que se está obligado a explicitar sistemáticamente los métodos y cualquier otro factor (pertenencia de clase, etnia, raza, género, afiliación política, edad) que pueda afectar los resultados de la investigación (Ruby, 1995). A esta reflexividad también se le puede denominar una conciencia que en palabras de Guber (2010), constituye la particularidad del conocimiento científico pues este no reside en sus métodos sino en el control de la reflexividad y su articulación con la teoría social.

Adicionalmente, utilicé el análisis del discurso como metodología. Martín Rojo (2003) señala que los discursos y los análisis que de ellos se hacen, son considerados practicas sociales debido a que los discursos y la propia tarea del analista se consideran socialmente situados y se le atribuye un papel en la (re)construcción y reproducción recursiva y recurrente de las estructuras y de la organización social. Lo anterior, puesto en paralelo con la reflexividad, equivale a ser consciente sobre como esto influye en mi aproximación a la producción del conocimiento atravesando todas las etapas del proceso de investigación. Esto sumado a que en el proceso de construcción de conocimiento interviene la experiencia vivida la cual es siempre mediada por discursos sociales que definen quienes somos (Saukko, 2003, pág 74). Incluso hacer esto explicito hace que el trabajo tenga un carácter científico pues pone de manifiesto el lugar de enunciación desde el cual se produce el conocimiento. Martín Rojo (2003) también señala la importancia de relacionar el análisis del discurso con aquellos discursos socialmente relevantes e, imbricados en conflictos sociales, así como el abordaje de los discursos autorizados. Esto en mi investigación se ve reflejado en el análisis de los discursos que se producen desde mi práctica de la mediación como parte del equipo del Museo Nacional y el video que se proyecta de manera constante en el espacio. Esto implica reconocer la existencia de un agente y/o dispositivos que no sólo produce el texto, sino que adopta una actitud favorable o desfavorable hacia lo que enuncia.

Para el segundo capítulo ¿cómo nos sentimos nosotras reparadas con esto? abordé la perspectiva de cuatro víctimas del conflicto armado que pertenecen a la Red de Mujeres Víctimas y Profesionales buscando responder la siguiente pregunta: ¿Cómo opera la capacidad de agencia de las víctimas que hacen parte de la Red de mujeres Víctimas y Profesionales en Fragmentos?  El concepto de agencia de Antonio Gramsci (1924) resulta pertinente para dar respuesta a la pregunta. Para este capítulo se utiliza la etnografía como metodología. La etnografía o el que hacer etnográfico equivale al análisis antropológico como forma de conocimiento. El etnógrafo/a fija su atención en lo que le interesa para extraer una pieza de interpretación antropológica y así inscribir discursos sociales en textos. Esta pieza es interpretada de forma sistemática. La etnografía se constituye de una serie de argumentos que se fundan en interpretaciones y datos bajo una cierta organización textual (Guber, 2011).

En 2026 se cumplen 10 años del Plebiscito de los Acuerdos de Paz entre el Gobierno Colombiano y las FARC. Lo que apuntaba a convertirse en una manifestación democrática amplia en torno a la paz y la reconciliación, en el que el pueblo colombiano refrendaría el resultado de la negociación de paz, terminó convirtiéndose en un símbolo cumbre de la polarización y la ruptura política de la sociedad colombiana en torno a los procesos de terminación del conflicto.

Este documental pretende explorar, 10 años después, el marco social de la memoria histórica, las emociones y el legado en el que se enmarca el Plebiscito como hito (fallido) de la búsqueda de reconciliación y terminación del conflicto.

Se estructura en tres líneas narrativas. La primera indaga memorias y emociones de ciudadanos y actores políticos vinculados al plebiscito, a partir de la pregunta: “¿Usted recuerda qué estaba haciendo cuando se enteró del resultado del Plebiscito de 2016?”. La segunda línea analiza esas memorias y las disputas en torno a la construcción de la memoria colectiva del evento y su legado. La tercera reconstruye una cronología contextualizada del plebiscito, abordando sus antecedentes y consecuencias.

El documental apunta a ubicar el Plebiscito dentro de la memoria histórica del conflicto colombiano y, a la vez, entender sus legados en la sociedad colombiana, 10 años después.

Esta ponencia presenta la sistematización de una experiencia pedagógica llevada a cabo durante la Semana de las lenguas de la Universidad del Atlántico con el semillero Maskeletras, en la que se emplearon estrategias decoloniales para resignificar los cuentos Barlovento y La muerte de la acacia, de Marvel Moreno. A partir de dispositivos creativos como cartas ficcionales (escritas por descendientes imaginarios de los personajes), monólogos dramatizados y videos reinterpretativos, se buscó efectuar una apropiación discursiva con miras a la creación de conocimiento colectivo.
El corpus vivo de esta creación se encuentra activo y se propone continuarlo, posiblemente, en el Coloquio.

Soy egresada del programa de la facultdad me egrese en el año 2022, me animo a enviar esta postulación porque el tema es acorde a mi proceso artístico. No me queda claro si el encuentro es solo para estudiantes de la escuela de postgrado de todas maneras envio mi propuesta.

Signos Vitales es una investigación artística que explora las relaciones sensibles entre el cuerpo, la escucha, el tejido y el dolor. Estas dimensiones se articulan como lenguajes poéticos que revelan la intimidad como refugio, y a su vez un espacio político donde emergen tensiones relacionadas con el poder, las jerarquías de género y los afectos profundos vinculados a la despedida, la enfermedad y el amor.
Desde una perspectiva autobiográfica, el proyecto se construye como un intento por comprender el propio cuerpo como territorio de resistencia, donde el gesto repetitivo y los procesos de larga duración configuran metodologías vinculadas al hacer, al tiempo y a la persistencia. Influenciada por algunos postulados del feminismo, esta búsqueda reconoce en lo personal una dimensión política que atraviesa la experiencia artística. Trabajo desde el performance, el sonido, el tejido y la instalación, entendiendo el espacio como un material vivo, capaz de extender las preguntas del cuerpo hacia su entorno. En este cruce de materiales, Signo vitales propone un habitar más atento, una escucha expandida y una poética de lo íntimo, donde el dolor se transforma en gesto.

El trabajo analiza la relación entre decadentismo y clasicismo en el arte victoriano a través de la pintura Las Rosas de Heliogábalo (1888) de Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), pintor holandés establecido en Inglaterra. En la historia del arte se ha presentado tradicionalmente a Alma-Tadema como un artista representativo del academicismo, sí bien comparte elementos en común con esta corriente, como el uso de temas clásicos y el realismo pictórico, se puede establecer también una relación con la estética decadentista.

«En esta disertación se habla sobre los conceptos fundamentales y las bases históricas del surgimiento de la performance en el arte contemporáneo, así como construir, junto con esa fundamentación histórica, las bases del concepto de partitura de performance con la que trabajamos. Buscamos nuestra reflexión desde las Vanguardias Históricas, a principios del siglo XX hasta la década de 1950. En este contexto, en el año 1952, una obra de John Cage se mostró crucial para el entendimiento de la performance como lenguaje en el arte, así como para el concepto de partituras de performance aquí presentado. La performance es un arte vivo, en el que el público tiene una gran importancia, y el artista puede decidir si el performance es abierto o cerrado. Defino nuevos conceptos teóricos para la performance, teniendo en cuenta ser una obra abierta o cerrada. Se exponen también ejemplos de algunas partituras usadas por los artistas para crear sus performances, sus trabajos y sus poéticas. Por último, el capítulo presenta el trabajo de tres ejecutantes colombianos, cuyo estudio de los procesos creativos posibilita percibir la manifestación de estos dos modos de acercamiento al público (obra abierta y cerrada). Para ello, utilizo a los autores contemporáneos Tina Pit, María Teresa Híncapie y Diego Paris, y luego encontrar las relaciones similares en sus partituras y sus poéticas, para luego encontrar las relaciones similares de las poéticas en las partituras. Por último se analiza la performance autoral por medio de las partituras y discute las hipótesis de las partituras planeadas para la performance y espoe partituras autorizadas trabajadas en la carrera artística. Se realiza una reflexión del trabajo hecho, también trae cuestiones que quedaron fuera y levanta futuras investigaciones en el área de las partituras de la performance.»

Esta ponencia presentará algunos avances y hallazgos de mi tesis de grado, en la que analizo la novela Los estratos (2013), del escritor payanés Juan Cárdenas, desde la perspectiva de la memoria. En un contexto en el que el interés por recuperar la memoria parece omnipresente, la novela de Cárdenas invita a pensar también en sus desafíos y contradicciones. Esto lo hace recurriendo a mecanismos como la parodia, la sátira y la incongruencia, que a su vez producen un efecto humorístico. Por ello, en esta ocasión me enfocaré en la relación entre memoria y risa: ¿puede algo tan importante como la memoria ser objeto de burla? Para intentar responder a esta pregunta propongo examinar algunos pasajes de la novela, así como las consideraciones teóricas de Margaret Rose (sobre la parodia) y Tzvetan Todorov (sobre la memoria y sus abusos).

En este trabajo estudio la representación literaria de los cuerpos femeninos de la novela «El tiempo de las amazonas» (2020) de Marvel Moreno. En primer lugar estudio cómo esta representación revela una caracterización de la experiencia corporal que se cristaliza en dos notorias heridas y a su vez, estas se analizan desde dos grandes categorías: primero, el cuerpo femenino como objeto de deseo y lugar de opresión; y segundo, el cuerpo femenino atravesado por una experiencia particular del dolor, el sufrimiento y la enfermedad. Luego exploro cómo, a pesar de esta primera caracterización del cuerpo femenino que revela la novela, Marvel Moreno dibuja también la posibilidad de que se tejan suturas sobre esas dos heridas a partir de la representación de cuerpos femeninos de mujeres que no sólo son oprimidos y sufren, sino que también tienen potencialidad de gozar, experimentar placer y a la par, construir comunidad con otras corporalidades femeninas que comprenden esta realidad específica. Por último, analizo la forma en que El tiempo de las amazonas parece tejer costuras pues puede ser un palimpsesto de la novela En diciembre llegaban las brisas y revelar con esto una escritura que puede ser considerada, primero, como remedio a los malestares corporales que Moreno manifiesta en su novela y, segundo, como una forma de discurso literario particular.

Esta ponencia quiere dar cuenta de los más recientes avances en mi investigación de tesis doctoral, la cual busca elaborar un panorama crítico de las presencias animales no-humanos en la más reciente literatura en español. En general, una constelación cada vez más grandes de autores en Colombia, España, Argentina o México (entre otros) está acercándose al asunto animal desde una perspectiva anti-antropocéntrica y enmarcada en las múltiples crisis del Antropoceno. Con ello, resulta relevante identificar qué tipo de relaciones con lo no-humano se están proponiendo en la narrativa de nuestros días y a partir de qué estéticas y resistencias políticas se está llevando a cabo.

Esta ponencia presenta la sistematización de una experiencia pedagógica llevada a cabo durante la Semana de las lenguas de la Universidad del Atlántico con el semillero Maskeletras, en la que se emplearon estrategias decoloniales para resignificar los cuentos Barlovento y La muerte de la acacia, de Marvel Moreno. A partir de dispositivos creativos como cartas ficcionales (escritas por descendientes imaginarios de los personajes), monólogos dramatizados y videos reinterpretativos, se buscó efectuar una apropiación discursiva con miras a la creación de conocimiento colectivo.
El corpus vivo de esta creación se encuentra activo y se propone continuarlo, posiblemente, en el Coloquio.

En esta ponencia se abordan la oralidad y la proverbialidad como problemas de traducción de la narrativa afrofrancocaribeña, profundamente marcada por registros lingüísticos creolizados. En primer lugar, se presenta el corpus, compuesto por textos que integran estructuras narrativas orales, proverbios y fórmulas culturales locales. Se explica que la oralidad y la proverbialidad, además de ser recursos estilísticos de herencia africana, actúan como vehículos de memoria colectiva, resistencia y reapropiación identitaria. Esta dimensión simbólica y cultural genera tensiones de orden diverso en los procesos de traducción, en particular, de carácter prosódico y de interpretación sociocultural. A través de un análisis comparativo de fragmentos en versión original y traducida, se examinan algunas estrategias traductológicas y sus implicaciones ideológicas y estéticas. Se concluye que la traducción de la oralidad y la proverbialidad es una práctica discursiva cuyo alcance político y ético exige una sensibilidad profunda hacia las voces que la escritura intenta preservar.

El meme se ha consolidado como vector comunicativo imprescindible en entornos digitales, abarcando dimensiones semióticas, socioculturales y políticas esenciales para comprender las dinámicas del posmodernismo en línea. Su estudio sistemático alcanzó un punto de inflexión en 2012 con los modelos teóricos y metodológicos que guían la investigación actual. Sin embargo, en la última década, el meme ha experimentado una metamorfosis profunda, generando nuevos perfiles semánticos y pragmáticos que trascienden las categorizaciones tradicionales.

A pesar de esta evolución, los enfoques académicos vigentes adolecen de carencias de especificidad y rigor analítico, limitándose a etiquetas genéricas —como “memes políticos” o “memes sobre el trabajo”— sin explorar dinámicas contextuales ni transmisiones meméticas complejas. En respuesta, propongo una construcción teórico‑analítica propia, diseñada para reconocer la cronología y materialidad de Internet; para incorporar elementos iconográficos mediante la metodología de Panofsky; y para privilegiar los conceptos y términos de las comunidades latinoamericanas generadoras de memes. Este enfoque ofrece un marco integral y sensible al contexto comunitario, facilitando un estudio más directo y riguroso de la cultura del meme.

La presente ponencia aborda el performance Antagonías del Tocador como un proceso de investigación-creación donde la palabra se resignifica más allá de su uso textocentrista, adquiriendo un valor «bio-lógico», es decir, como acción viva que emerge del cuerpo, la memoria y la afectividad. En este trabajo, desarrollado dentro de un laboratorio escénico, la palabra se convierte en un gatillo psicofísico que moviliza impulsos primarios y racionales, articulando lo íntimo como territorio político y poético.

A partir de experiencias vinculadas a la pérdida gestacional, el cuerpo de la performer y el espacio performativo se transfiguran en contenedor y canal de una memoria compartida que pugna por ser enunciada. El texto ya no opera como directriz cerrada, sino como matriz de exploración sensible que se activa a través de la voz, el silencio, la imagen y el gesto. La palabra, entonces, no solo comunica: encarna, pulsa y transforma.

Este enfoque metodológico, profundamente vivencial, busca visibilizar lo silenciado y devolver a la escena una palabra que no pretende representar, sino testimoniar. Antagonías del Tocador propone así una dramaturgia encarnada, donde lo escénico se construye desde la vulnerabilidad como potencia creadora.

El proyecto se trata de una serie de obras que comentan sobre los contenidos nostálgicos (nostalgia entendida como la experiencia emocional asociada al recuerdo) específicos de la experiencia del mundo digital del final de los 90 e inicios de los 2000. Las obras presentan el recuerdo contrafactual (la capacidad de recordar las cosas de maneras diferentes a como pasaron en realidad) como una forma de resistencia fútil frente a un presente no deseado.